Рембрандт

В історії образотворчого мистецтва минулих століть геніальний голландський художник Рембрандт, мабуть, більше, ніж будь-хто інший, зумів глибоко хвилююче, правдиво розкрити невичерпне багатство внутрішнього світу людини.

Творчість Рембрандта відноситься до того часу, коли Голландія, батьківщина художника, успішно завершивши першу в історії буржуазну революцію, висунулася на одне з провідних місць в економічному і культурному сенсі. У той час, коли у переважній більшості європейських країн феодальна аристократія ще зберігала провідні позиції в усіх сферах суспільного життя, у Голландії вона виявилася переможеною і відсунутою на задній план у ході нідерландської революції та подальшого буржуазного розвитку. Настає період колоніальних захоплень, сягають небувалих розмірів торгові операції, кустарне виробництво середньовічних ремісників швидко заміняють мануфактури, у Голландію переміщається центр європейської торгівлі. Маленька країна переживає в XVII столітті короткочасний, але бурхливий розквіт.

Уклад життя, культура, політичний устрій Голландії XVII століття стає демократичним.

На відміну від інших країн Європи в Голландії встановлюється республіканська форма правління, допускається свобода віросповідання, має місце відносно більша, ніж за межами країни, свобода поглядів. Саме в Голландії XVII століття народилася матеріалістична філософія Спінози, тут створив свої найкращі роботи видатний французький вчений Декарт, сюди втік від переслідувань інквізиції філософ-атеїст Уріель д'Акоста, португальський єврей.

Голландський живопис XVII століття виявився новим щаблем у розвитку реалістичного мистецтва. Залишивши скромне місце міфологічним і релігійним темам, порушивши багатовікову традицію, голландські живописці звернулися до безпосереднього зображення побуту і рідної природи. У картинах голландських майстрів перед глядачем розкривається саме життя. Веселі, бадьорі офіцери-стрілки, овіяні романтичним духом недавньої визвольної боротьби, дивляться на нас із ранніх портретів Франса Хальса. Тихо і неквапно тече життя в затишних аристократичних будиночках, відображене пензлем Вермеєра. Тихо насолоджуються невигадливими радощами буття прості люди - сільські музики, завсідники шинків - в картинах Адріана ван Остаде. Закохано споглядає скромну голландську природу Ян ван Гойен. Похмуре приморське небо, безкрая рівнина, повноводні широкі річки, вітрильні човни рибалок гойдаються то тут, то там на воді, стада, вітряки - така Голландія Гойена. В інший світ забирають уяву глядача натюрморти Віллема Хеди: в мальовничому безладді стоїть на столі дорогий посуд, в напівтемряві інтер'єру матовим блиском грає срібло; вино в прозорих келихах, вишукана їжа, свіжі фрукти.

Голландські живописці вперше побачили людину такою, якою вона є в житті, і відобразили в мистецтві різні сторони її повсякденного буття. Деякі з них підійшли до вирішення більш складної задачі - до того, щоб відобразити красу і значущість духовного світу звичайної людини.

Спираючись на досягнення голландського реалістичного мистецтва XVII століття, найбільш повно, багатогранно і глибоко це завдання вирішив найзнаменитіший художник Голландії - Рембрандт ван Рейн.

Батько Рембрандта був власником кількох будинків, садових ділянок і млина. Спочатку батьки майбутнього художника прагнули дати своєму синові гуманітарну освіту. Після семирічного навчання в латинській школі, в 1620 році він був записаний в Лейденський університет - один з найстаріших університетів у Європі, заснований ще в 1575 році. Але Рембрандт пробув там недовго. Схильність до мистецтва привела його до майстерні місцевого художника Якоба ван Сваненбурга, де він протягом трьох років навчався живопису. Потім було піврічне навчання в Амстердамі у відомого живописця Пітера Ластмана.

Повернувшись до Лейдена близько 1625 року, Рембрандт починає свій самостійний творчий шлях. Так званий лейденський період творчості майстра триває до 1631 року. Уже в цей час Рембрандт стає одним з найпопулярніших живописців рідного міста, його майстерня привертає учнів. Голландський поет Константин Гюйгенс присвячує хвалебні рядки в своїй автобіографії лейденським художникам - Рембрандту і Лівенсу.

У цей період Рембрандт ще далекий від вершини своїх досягнень, ще не вільний від впливів старших сучасників - Ластмана, Пейнаса, Хонтхорста. Але вже в ранніх роботах художника видно його творчу оригінальність. Його увага цілком зосереджена на людині. У будь-яких проявах людського він знаходить особливу виразність. Сильні душевні рухи людей, які переживають значні події («Іуда повертає срібники», Париж; «Воскресіння Лазаря», Нью-Йорк), потворна гримаса старого, що читає молитву при світлі свічки («Читання при свічці»), відразлива потворність жебрака (офорт «Дерев'яна нога»), роздуми вченого, що зосереджено працює на самоті («Учений, який пише», амстердамський аукціон 1927 року; «Учений», Брауншвейг) - усе привертає увагу Рембрандта.

Його інтереси далеко виходять за межи побутової розповіді. Біблійно-євангельські (або історичні, як їх прийнято традиційно називати) картини раннього Рембрандта пронизані бурхливим рухом, надмірної патетики. Вони створені майстром під впливом мистецтва бароко, що зародилося на початку століття в Італії та розповсюдилося в усій Західній Європі.

До кращих творів Лейденського періоду належить картина «Христос і учні в Еммаусі», що була написана Рембрандтом близько 1629 року і знаходиться нині в паризькому приватному зібранні. Вона створена за мотивами відомої євангельської легенди, що розповідає про одне з чудес Христа, що воскрес після смерті.

 

На сільській дорозі до двох подорожуючих учнів Христа приєднався невідомий чоловік. Діставшись до міста Еммаус, мети своєї подорожі, подорожні сіли за трапезу. І в той момент, коли незнайомець характерним жестом поламав хліб, здивовані учні признали в ньому свого вчителя.

Велично відкинувшись у кріслі, Христос наче підноситься над усім оточуючим. Від його великої фігури віє непохитною силою. Сяйво, що йде від нього, художник трактує, як світло з невидимого джерела, що від глядача закриває тіло Христа. На тлі безтілесної стіни, яка ніби тане в яскравому освітленні, особливо відчуваєш виразну потужність його силуету. На відміну від героя луврської картини на цю ж тему, створеної Рембрандтом дев'ятнадцять років по тому, Христос вимагає не співчуття, а поклоніння. Учні вражені й пригнічені його могутністю. Один, з гуркотом упустивши свій стілець, у нестямі падає на коліна до його ніг. Інший, піднявши руки, злякано зіщулившись, відскочив назад. Темрява, що панує навколо, немов таїть у собі щось незрозуміле, майже зловісне.

Художника тягне до фантастичних, виняткових, перебільшено яскравих явищ, та на відміну від майстрів бароко він мислить їх, як частину реального життя. Не випадково в глибині кімнати видно похилену жіночу Фігуру – то або господиня, або служниця, зайнята своїми звичайними клопотами.

За складом свого обдарування Рембрандт - художник-психолог. Уже в лейденський період велике місце в його творчості займає портрет.

Спочатку коло його моделей украй бідне. Він цілком задовольняється тією натурою, що завжди під руками, і безліч разів портретує себе і своїх домашніх. Художника мало хвилюють індивідуальні риси внутрішнього світу зображуваних людей. Його увага зосереджена на іншому: він намагається втілити широкі й різнорідні прояви духовної сутності людини взагалі. Основним мотивом портрета виявляється то болісне внутрішнє занепокоєння (віденський автопортрет 1628 р.), то глузування (автопортрет, Бейфліт), то романтична схвильованість (автопортрет, Гаага).

Про портретну творчість Рембрандта лейденського періоду дозволяє судити відомий так званий «Портрет батька» з колекції Ермітажу (написаний близько 1630 року).

Модель приваблює художника особливою складністю реакції на світ, яку людина має лише на схилі років. Стурбовано, майже з тривогою, дивиться на глядача старий чоловік. Усі зморшки його обличчя живі й рухливі. Контраст світла й тіні, хвиляста лінія контуру, багатство тональних відтінків сірого фону - все викликає занепокоєння. Прагнучи до піднесеності образу, художник одягає портретованого у вигаданий костюм воїна. Додаткову гру тіней на обличчі старого викликає пишний головний убір, в чорно-сіру колірну гамму вплітається сріблясто-сталевий блиск обладунків, на чорному костюмі стримано блищить золотий ланцюг. Твір виявляє професійну зрілість молодого художника, його неабияку живописну майстерність.

Популярність молодого Рембрандта швидко росте, і вже на початку 30-х років співгромадяни починають замовляти йому портрети.

У числі перших був написаний «Портрет вченого» (1631 рік, Ермітаж). Перед глядачем - голландський інтелігент того покоління, яке ще всім корінням пов'язано з народом. Просте, відкрите, дещо грубувате обличчя, жорсткі м'ясисті руки видають його плебейське походження.

Прагнучи максимально наблизитися до життя, Рембрандт показує людину не ізольовано, а в її побутовій обстановці. Тому вчений зображений за робочим столом, з пером у руці, під час роботи над рукописом, коли й бачить його глядач, що немовби входить до кімнати. Портретований відривається від рукопису, повертає обличчя до відвідувача, звертається до нього з якимись словами.

Цей твір - одна з перших спроб Рембрандта ввести до портрета сюжетну дію. Сміливий експеримент ще не до кінця вдається молодому художнику. Погляд зображеного видає стан спокійного міркування і явно не гармоніює з його зовнішньою жвавістю. Через це стають неприродними його міміка та жестикуляція - поворот голови, рух губ, жест правої руки, яка закінчила писати, але ще тримає перо. Незважаючи на ці недоліки, сам принцип портретного рішення, обраний Рембрандтом, таїв у собі багаті реалістичні можливості, дозволяючи художнику безпосередньо охарактеризувати людину, показати її такою, яка вона буває в звичайному житті.

Не випадково сюжетний портрет зайняв надалі велике місце у творчості великого майстра.

Постійне прагнення Рембрандта до життєвої безпосередності, природності портретного образу, висока професійна майстерність, вміння передати схожість створюють художнику успіх у замовників, і його слава швидко поширюється.

Наприкінці 1631 року Рембрандт переїжджає в Амстердам - головне місто Голландії. Як припускають, причиною його переїзду було велике замовлення гільдії амстердамських лікарів на груповий портрет, що одержав назву «Урок анатомії лікаря Тульпа».

Груповий портрет у Голландії XVII століття був досить поширеним жанром. Уперше в історії відчувши себе господарями життя, торговці та ремісники прагнули стати також героями мистецтва. Живописці того часу залишили нащадкам їх численні зображення. Бюргери портретуються порізно, з жінками, з дітьми і, нарешті, цілими корпораціями. Ці професійні корпорації, так звані гільдії, народжені середньовічною епохою, в період нідерландської революції часто відігравали роль бойових організацій. Їх ще не знищів розвиток капіталістичного виробництва і вони досить успішно продовжували існувати в голландських містах XVII століття. Зображення членів гільдії стає основною темою голландського групового портрета.

У портреті лікарів молодий художник продовжує пошуки сюжетної дії, наслідуючи в цьому відношенні Франса Хальса. Рембрандт намагається представити зображених учасниками певної життєвої сцени. На великому полотні глядач бачить групу людей, що слухають лекцію з анатомії. Зробивши розтин руки небіжчика, професор відтягує пінцетом і демонструє своїм слухачам м'яз, який забезпечує рух пальців. Пальцями лівої руки він показує, як діє цей м'яз. У правому кутку картини стоїть анатомічний атлас, розкритий на потрібній сторінці.

Картина написана в скупій чорно-білій гамі. Потік світла вливається в напівтемну аудиторію, вихоплюючи з темряви обличчя людей і мертве тіло, біля якого вони скупчилися.

Художник прагне передати різну реакцію учасників сцени на те, що вони бачать і чують у даний момент. Той, що сидить близько Тульпа, повернув обличчя в бік оратора, немов би спостерігаючи за рухом пальців його лівої руки. Інший низько нахилився над трупом, ніби вдивляючись у таблицю розкритого анатомічного атласу. Чоловік позаду нього уважно стежить за демонстрацією Тульпа, схилившись уперед.

Як і в «Портреті вченого», прагнучи створити ілюзію повної реальності подій, що відбуваються, художник робить учасником сцени й самого глядача. Він немов би входить в аудиторію під час лекції, і двоє слухачів Тульпа повертаються до нього.

Проте, як і в «Портреті вченого», Рембрандту не вдається остаточно досягти своєї мети. Уважно вдивившись в обличчя, ми без зусиль відчуємо, що їх вираз не цілком відповідає тому настрою, яке, здавалося б, мали переживати зображені люди. Застиг в неприродній позі Гартман Гартманс, демонструючи глядачеві папір зі списком лікарів, зображених на картині. Поривчасто нахилився вперед Якоб де Вітт, але його погляд говорить про те, що він перебуває в спокійній задумі. Не можна назвати зацікавленим погляд Франса ван Лунена - він сидить позаду всіх, на верхній лаві амфітеатру, механічно перебираючи пальцями складки своєї мантії. І навіть доктор Тульп, незважаючи на його зовнішню жвавість, на одухотвореність, яку ми могли б прочитати в його очах, не дивиться ні на слухачів, ні на труп, ні на глядача, який саме входить, ні на свої руки. Показуючи персонажів картини цієї життєвої ситуації, Рембрандт, як майстер портрета, не прагне підпорядкувати психологічний стан людей цьому моменту життя.

Єдиний виняток - Якоб Блокк, який дуже жваво реагує на розповідь Тульпа; пильно, допитливо стежить його погляд за рухами руки професора, видаючи чіпку роботу думки й гостроту сприйняття. Це єдиний на картині до кінця вдалий людський образ; саме виразне обличчя Блокка створює те враження загального захвату аудиторії, яке виникає при першому погляді на картину.

Незважаючи на недоліки, «Урок анатомії» став кроком уперед у творчості Рембрандта – це був його перший великий твір на тему сучасного життя. Картина виявилася новим і сміливим словом в царині групового портрета.

Творчість Рембрандта 30-х років позначена наполегливою працею й поступовим становленням. Досягнуті успіхи вселяють у нього впевненість і служать стимулом для подальших напружених пошуків. Він невпинно вбирає різноманітні враження навколишнього життя, глибоко осмислює їх, перевтілює у своєму мистецтві.

У луврському автопортреті 1634 року за ошатною артистичною зовнішністю молодого Рембрандта ясно вловлюється його вольова натура. Трохи зведені брови, стиснуті губи, розумний і твердий погляд - все говорить про звичну внутрішню зібраність. Разом з тим образ не позбавлений відтінку нестійкості та занепокоєння. Зображення трохи змістилося в бік від основної композиційної вісі, рухома світлотінь, та й сам вираз обличчя видає душевну схвильованість людини. Такий Рембрандт періоду «бурі й натиску», як часто називають етап 30-х років у його творчості.

«Урок анатомії» створив Рембрандту широку популярність не тільки в Амстердамі, але й далеко за його межами. Молодий художник швидко стає улюбленим портретистом голландської буржуазії, отримує безліч замовлень.

Один із кращих замовних портретів Рембрандта 30-х років - дрезденський портрет Віллема Бургграффа, роттердамського хліботорговця (1633 р.).

Рембрандт не вирішує тут складних завдань, не прагне досягти більшого, ніж хоче замовник, ніж прийнято смаками часу, не намагається розкрити в образі Бургграффа риси загальнолюдського. Перед нами людина, зображена такою, якою вона є, зовсім у дусі голландського реалізму XVII століття. Але уважніше вдивившись у портрет, не можна не відчути нотки живого інтересу, навіть симпатії художника до моделі. Немає ані тіні скутості, навмисного позування - таких частих супутників замовного портрета. Образ сповнений бадьорості і спокою. Широкоплечий Бургграфф дивиться розумним, ясним поглядом . М'яко грає світло на його опасистому, але ще не старому обличчі. Все - аж до підкреслено стійкої композиції портрета - говорить про рівновагу духа зображеної людини. Такий настрій - швидше ознака часу, ніж випадковість або індивідуальна особливість портретованого. Усвідомлення непорушної міцності свого становища і своїх успіхів мало накласти печатку спокою і впевненості на характер голландського буржуа першої половини століття. І портрет Віллема Бургграффа та інші замовні портрети говорять про те, що до середини 30-х років творчість Рембрандта в основному розвивається в руслі буржуазного реалістичного мистецтва. І якщо портрети Рембрандта все ж виділяються серед більшості живописних робіт того часу, то причиною цього є аж ніяк не особливий характер його світогляду, а велика обдарованість митця.

Дух оптимізму, народжений епохою буржуазного розвитку Голландії, не був чужий і Рембрандту. Оптимістичному настроєві художника в цей період сприяли також його особисті успіхи. 1632-1642 роки - щасливе десятиріччя в його житті. Одруження з багатою нареченою, численні замовлення роблять його одним із заможних людей Амстердама. Він купує прекрасний будинок, щедро витрачає свої багатства на купівлю нідерландських гравюр, картин художників Відродження, перських мініатюр, екзотичного одягу і тканин, які з далекого Сходу привозять у приморський Амстердам.

У 1634 році Рембрандт одружується з дівчиною зі знатного сімейства - Саскією ван Ейленбург. Настає пора кохання, великого щастя. Увійшовши в життя Рембрандта, чарівна Саскія входить і в його мистецтво. Закохано слідує за нею око художника. Одна за одною з'являються з-під його руки численні замальовки. То він зображує, як дружина причепурюються перед дзеркалом, то коли хворіє, чекає на народження дитини, потім щасливою матір'ю із сином на руках. Кілька портретів своєї коханої створює Рембрандт в офорті та живопису.

Невимушеністю, людської теплотою підкуповує дрезденський портрет Саскії 1633 року. Граціозно нахиливши голівку, вона повертає до нас своє обличчя. Лукаво примружені очі, на вустах грає ласкава швидкоплинна усмішка. Ось у цю хвилину - примхливою, ніжною, кокетливою - і показав її Рембрандт.

І в самому настрої, і у вигляді Саскії, і в тому, як сприймає її Рембрандт, є справжня святковість. Тепле світло грає на обличчі та відкритій шиї. Рожевіють освітлені щоки, виблискує і переливається молочно-матове перлове намисто, в прозорій тіні мерехтить сережка. Навіть затінений зелений фон, повітряний, глибокий, написаний по коричневому підмальовку, сповнений теплом і диханням світлотіні. У це свято кольору вплітаються вишневі, золотисті, блакитні тони наряду Саскії. Ніщо не затьмарює її світлої, безтурботної, юної радості. Той безпосередній настрій хвилини, який митець шукає і не може знайти ні в «Портреті вченого», ні в «Уроці анатомії», він просто й легко передає в цьому портреті. Скороминуща усмішка коханої сповнена для нього великої поезії, великого сенсу.

У середині 30-х років Рембрандт пише відомий автопортрет із Саскією на колінах.

Сцена безтурботного бенкету двох закоханих відкривається погляду глядача, що входить у гостинний дім Рембрандта. Шарудять важкі тканини. Піниться вино. Радує око різноманітність страв. Приголомшує пишна розкіш нарядів. З егоїзмом, гідним людей Ренесансу, насолоджуються і хизуються своїм безхмарним щастям герої картини. У зухвало далекій від усяких церемонних умовностей позі постають вони перед глядачем. Щедрою усмішкою, темпераментним тостом вітає того, хто входить, Рембрандт; злітає вгору рука з келихом. З м'якою, але стриманою приязню зустрічає гостя Саскія. Веселощі, святкова насолода життям, чуттєва краса людського буття - ось настрій цієї картини.

Тема свята, гулянки, веселощів нерідко зустрічається в голландському мистецтві XVII століття. Завдяки творчій свідомості Рембрандта вона стає шляхетною та значною.

Хоча багато що і ріднить мистецтво Рембрандта з мистецтвом більшості сучасних йому художників, так званих «малих голландців», Рембрандт іде набагато далі, ніж вони, у своєму уявленні про людину, її цінність, значущість, красу. У міру розвитку творчості Рембрандта ця відмінність стає все істотніше і виразніше. Все величнішими стають його герої, все багатшим - їх внутрішній світ. Гуманізм Рембрандта стає свідомішим, набуває філософського відтінку, перетворюючись в основу його світогляду. Буржуазна дійсність виявляється тепер занадто бідною, прозаїчною, щоб дати матеріал для художнього втілення ідеалів Рембрандта. Прагнучи до повнокровного вираження своїх гуманістичних ідей, художник звертається до античної та християнської міфології.

Вічній темі кохання, радісного пробудження чистого, великого почуття, що змінює людину, присвячена ермітажна картина «Даная», створена художником в 1636 році.

Сюжетом картини послужив міф про дочку царя Акрисія, що стала дружиною Зевса і матір'ю Персея - одного з улюблених героїв стародавніх греків. Оракул напророчив Акрисію загибель від руки онука, і цар навічно заточив у темницю свою дочку Данаю. Але ніякі темниці не можуть встояти перед усеперемагаючою силою кохання: володар Олімпу, всемогутній Зевс, у вигляді золотого дощу проникає в підземелля прекрасної Данаї та стає її коханим.

Радісне пробудження Данаї. Стара служниця відсуває полог її ліжка, і золотаве світло широким, рівним потоком вливається в кімнату. Несміливо піднімається схвильована Даная назустріч світлу. Вона переживає радісне передчуття щастя, довірливо віддається великому почуттю, зустрічає гостя трепетною, боязкою посмішкою і поглядом покірним і одночасно ваблячим. Світло чарує її, вириває з холоду зеленувато-оливкового оточення. Вона ніжиться в теплих променях, довірливо простягає руку вперед, у той же час злегка затуляючись від сліпучого світла - в цьому жесті злилися воєдино і слабкий опір, і заклик.

Під впливом світла, що владно проникає до спальні, все немов оновлюється, стає радісним, піднесеним. Поступово розгорається червоний колір. Приглушений, стриманий тон оксамитової скатертини змінює тепло рожевих тонів тіла, інтенсивне горіння стрічок на браслетах; прозоро просвічують кінчики пальців простягнутої руки. Безшумно зісковзує покривало, чуттєво оголюючи жіноче тіло. Це тіло, простонародне, вже не юне, написано з голландки, сучасниці Рембрандта. Далеке від канонів класичної краси, воно підкуповує своєю життєвою правдивістю, м'якою округлістю форм. Неприбране волосся жінки, зім’ята подушка, туфельки, кинуті на передньому плані, - все це додає образу відтінок задушевної інтимності й відрізняє Данаю Рембрандта від класичних жіночих образів Праксителя і Агесандра Джорджоне і Тиціана. Афродіта Кнідська і Афродіта Мілоська, Спляча Венера і навіть Венера Урбінська у своїй бездоганній, ідеальній красі підняті над подробицями життя і тому не можуть викликати у глядача стільки безпосередніх асоціацій і почуттів, як Даная Рембрандта.

Хоча Рембрандт і звертається до теми з давньогрецької міфології, досить далекою для його сучасників, чарівність його «Данаї» - у тому безпосередньому відтворенні життя, яке й було головним досягненням голландського реалізму XVII століття.

«Даная» - одна з останніх робіт, де ще досить очевидно проявляє себе життєствердне світовідчуття Рембрандта першого періоду. Ця картина - радісний гімн перемозі кохання. Щастя входить в обитель Данаї, і єдиним нагадуванням про дні її тяжкої самотності залишається лише дерев'яна фігурка скутого амура, що плаче в головах її ліжка.

Світовідчуття Рембрандта 30-х років не вичерпується, одначе, оптимістичним сприйняттям життя. Переїзд в Амстердам не тільки допоміг художнику домогтися загального визнання і швидко досягти багатства і слави, а й змусив серйозно замислитися над тіньовими сторонами дійсності. Мабуть, ніде в цей час контраст між зростаючим добробутом процвітаючої буржуазії та тяжким існуванням основної маси населення не виступає настільки очевидно і настільки оголено, як в Амстердамі. Художник знає не тільки бюргерський, а й жебрацький Амстердам. Він виявляє постійну цікавість до життя простого народу. У його малюнках і гравюрах 30-х - початку 40-х років часто зустрічаються зображення кабачків, вуличні сцени, замальовки жебраків, розорених селян, бродячих торговців, картярів, ярмаркових акторів. Життєві враження поступово впливають на сприйняття художником навколишньої дійсності, приводять його до усвідомлення непримиренних, драматичних суперечностей життя. Своє філософськи узагальнене і художньо-закінчене втілення цей бік світогляду Рембрандта отримує в його творах на теми Біблії та Євангелія.

Здавалося б, звертаючись до біблійних і євангельських тем, Рембрандт іде від зображення суспільства свого часу. Насправді, його біблійні та євангельські герої багато в чому нагадують сучасних йому простих людей, що незмінно прихиляли симпатії художника. Біблійні події з їх трагічним пафосом видаються Рембрандту найбільш переконливою формою для втілення того конфлікту між добром і злом, який він спостерігає в сучасності.

У його свідомості біблійні герої – це яскраве уособлення прекрасних людських якостей. Художник бачить у них духовну велич, внутрішню цілісність, сувору простоту, велике благородство. Вони зовсім не схожі на дріб'язкових, самовдоволених, недалеких бюргерів - його сучасників.

У творах Рембрандта немає прямого протесту проти існуючої дійсності, але моральний ідеал людини, який висуває і відстоює він у своїй творчості, об'єктивно протилежний цій дійсності. Недарма його творчість зрештою виявилася неприйнятною для сучасної йому голландської буржуазії, залишилася незрозумілою, неоціненою сучасниками.

Якщо ранні історичні картини Рембрандта перейняті духом бароко, то із середини 30-х років твори художника в історичному жанрі починають набувати іншого характеру. Крізь зовнішню патетику все більше пробиваються справжні людські пристрасті, все частіше театральна драма, «жахлива» подія змінюється справжньою драмою життя.

Ці нові риси виразно виступають в ермітажній картині «Зняття з хреста», написаній в 1634 році.

Ніч. Скорботна тиша. Мовчазний натовп людей оточив величезний хрест, на якому розп'ято Ісуса. Вони прийшли на Голгофу віддати останню шану своєму вчителеві. При холодному світлі смолоскипів вони знімають з хреста його мертве тіло.

Один з чоловіків, піднявшись по драбині, витягує цвяхи, якими Христос був розп'ятий на перекладині; інші приймають на руки його тіло, жінки готують ложе для останків, розстеляючи на землі велику важку тканину. Усе відбувається неквапливо, в шанобливому і сумному мовчанні. Різні переживання присутніх: на деяких обличчя гіркий відчай, на інших – мужня скорбота, на третіх - побожний жах, та кожен з присутніх глибоко переймається значущістю події. Безмежною є скорбота старого, що приймає тіло мертвого Христа. Він тримає його з помітним зусиллям, але дуже обережно, зворушливо торкаючись щокою бездиханного тіла. Знемагає від горя Марія. Їй несила стояти, вона втрачає свідомість, падає на руки людей, що дбайливо обступили її. Бліде її виснажене обличчя, зімкнуті повіки, безсило поникла ослабіла кисть простягнутою вперед руки.

Картина захоплює глибокою проникливістю, життєвою правдою. Лише перебільшення деяких рухів і жестів нагадує про барокові захоплення Рембрандта.

У «Знятті з хреста» вперше в творчості Рембрандта чітко прозвучала думка про те, що великі життєві події, суворі випробування долі, глибокі й благородні переживання зближують людей. Картина свідчить про зародження нових віянь у мистецтві Рембрандта, передбачає глибокий драматизм його пізніх полотен.

Надалі художник все чіткіше усвідомлює, що життя сповнене трагічних протиріч, зростає його незадоволеність навколишньою дійсністю, його тривога за долю людини. Рембрандт все більше піднімається над обмеженим світоглядом свого класу; поступово його програмно-гуманістичне мистецтво перестає бути співзвучним настроям голландської буржуазії. На початок 40-х років назріває конфлікт митця з бюргерським суспільством. Найбільш виразним проявом цього конфлікту виявилося відверте невдоволення замовників груповим портретом, відомим під назвою «Нічний дозор».

Картина «Нічний дозор» створена Рембрандтом у 1642 році на замовлення гільдії амстердамських стрільців. Як і в «Уроці анатомії», художник відходить від традиційної схеми групового портрета. Він створює не просто серію портретів у межах однієї картини, а представляє всіх зображених учасниками єдиної життєвої події.

Картина, значно потемніла з часів Рембрандта, отримала назву «Нічний дозор» лише згодом. Насправді подія відбувається вдень. Зображено виступ команди стрільців під керівництвом капітана Франца Баннінг-Кока і лейтенанта Віллема ван Руетенберга. Рембрандт прагне створити історичну картину на сучасну тему, намагається опоетизувати стрільців, представити їх виразниками героїчного духу нідерландської революції. Ніби за сигналом бойової тривоги висипають стрільці з будівлі гільдії. Очолюючи ходу, рішучими кроками рухаються капітан і лейтенант; розгортає великий прапор прапороносець Ян Корнеліссен; вибиває дріб барабанщик; у напруженому ритмі перехрещуються довгі лінії копій, що піднімаються над натовпом; заряджають рушниці стрільці. Як завжди, картина збору військового загону привертає дітлахів. Хлопчик у шоломі та дівчинка з птахом біля паска, прагнучи опинитися в самому центрі події, проштовхуються через натовп. Стрільця, що заряджає рушницю, обганяє ще один хлопчина, з цікавістю заглядаючи в обличчя командирів. Художник прагне підкреслити і підсилити відчуття схвильованості гостротою тонального рішення картини. Зі зеленувато-коричневого марева вириваються червоні, лимонно-жовті, яскраво-зелені тони костюмів, освітлені плями облич.

Однак, коли ми переходимо від сприйняття картини в цілому до деталей, поступово розсіюється те відчуття героїчної піднесеності, яке захоплює нас спочатку. Непокоїть прозаїчність облич бюргерів; пози і жести людей якісь навмисні; загальне пожвавлення штучно.

Про жодного з персонажів не можна сказати, що він відчуває героїчний душевний підйом. Немає навіть двох-трьох героїв, які ясно й виразно висловлювали б піднесений настрій натовпу і служили б психологічним центром зображення. Здавалося б, на цю роль можуть претендувати капітан і лейтенант, фігури яких знаходяться в центрі композиції. Але вони живуть в картині ніби відокремлено і не пов'язані психологічно ні з натовпом стрільців, ні один з одним. Жест Баннінг-Кока говорить про те, що він звертається до лейтенанта з якимись словами. Але, дивлячись на обличчя капітана, в це не віриш. Він думає про щось своє, відсутнім поглядом дивиться в простір.

Не знайшовши способу психологічно об'єднати композицію, художник пішов шляхом її насичення безліччю деталей, які, перебиваючи одна одну, створювали б враження загальної схвильованості. Але перевантаженість картини деталями і мотивами лише розбиває увагу глядача і порушує ту цілісність настрою і враження, до якої прагне майстер.

Незважаючи на серйозність і оригінальність поставленого завдання, цей твір не можна вважати цілком вдалим. Ця невдача закономірна: до середини століття голландська буржуазія вже втратила той героїчний дух, який намагається побачити в ній Рембрандт. Місце бійців нідерландської революції зайняло нове покоління бюргерів: торговців, власників мануфактур, колоніальних ділків, успішних, прозаїчно тверезих.

Картина була холодно зустрінута замовниками, бо була зовсім чужа їх настроям. Ймовірно, їх невдоволення зумовлювалося ще й тим, що Рембрандт, через свої задуми, по суті відмовився від серії портретних зображень.

Починаючи з цього моменту значно зменшується популярність Рембрандта в колах голландської буржуазії. З неуспіхом «Нічного дозору» співпала трагічна подія в особистому житті Рембрандта - в 1642 році померла Саскія.

Сороковими роками починається новий етап рембрандтівської творчості.

Після «Нічного дозору» художник відмовляється від безпосереднього зображення сучасності в тематичній картині. Він все більше замикається в колі біблейсько-євангельських тем, проголошуючи свої етичні ідеали, віруючи в те, що благородство і розум людей допоможуть їм перемогти труднощі життя. Першоосновою рембрандтівського гуманізму часто є моральна чистота людей із народу, красива простота їх стосунків.

Протягом 40-х років Рембрандт кілька разів звертається до теми Святого Сімейства. Одне з кращих рішень цієї теми - ермітажна картина «Святе Сімейство», створена художником в 1645 році. Євангельська сцена породжує у глядача безліч асоціацій з повсякденним народним життям, сучасним Рембрандту. Тиша, спокій порушуються лише звичними звуками життя дому. Потріскують дрова, що горять, чути неголосний одноманітний стук теслярської сокири. Кімната оповита ніжним півмороком, з різних джерел м'яко вливається світло, тремтливо ковзаючи обличчям Марії, освітлюючи колиску, надаючи зображеному відтінок одухотвореності. Злегка ворухнулася уві сні дитина, і жінка, підкоряючись материнському інстинкту, відривається від читання, піднімає завісу і стурбовано дивиться на малюка. Вона - сама чуйність, сама настороженість. По суті, велика людяність і проникливість картини створюється лише одним її поглядом. Світле піднесення миті позначається й на тому, що до матері та хлопчика нечутно спускаються ангели.

У цьому творі художник ніби звертається до майстрів голландського побутового жанру. Але на відміну від них не тихий затишок повсякденного життя хвилює Рембрандта в першу чергу, а велика краса простих людських стосунків. Спостерігаючи за жінкою, що сидить біля колиски сина, йому достатньо було побачити лише один її ніжний рух, її миттєвий поворот голови, стурбований погляд, щоб відчути поезію материнських почуттів.

У творчості Рембрандта 40-50-х років значне місце посідають пейзажі. Переважна більшість пейзажних робіт художника виконана в техніці офорту. Світлотіньове багатство офорта відповідає прагненню голландських пейзажистів передати скупу за кольором, але тонку за відтінками гаму приморського пейзажу - пейзажу країни туманів.

Пейзажі Рембрандта, так само як і його історичні картини і портрети, за своїм змістом глибші, значніші, складніші за більшість робіт цього жанру його численних сучасників. У його пейзажі втілюється філософськи споглядальні роздуми над світом.

Сповнений тиші, меланхолійного спокою маленький офорт «Краєвид Амстердама» (1640 р.). Усюди, куди не глянь, величаво-одноманітна рівнина. Уздовж лінії горизонту протягнулися невисокі будівлі Амстердама. Лише самотні дзвінички та вітряні млини порушують присадкуватий силует міста. Повільно тече повноводна ріка. На її низькому березі розкинувся заплавний луг. На передньому плані - тихий, глибокий струмок, соковита трава; наліво, ближче до річки - високий стіг сіна. Поблизу берега - самотні фігурки людей, зайнятих буденними справами. Вони ніби розчинилися в пейзажі, підкорилися неквапливому ритму природи. Небо вкрите легкою пеленою хмар. М'яке, розсіяне освітлення похмурого дня розлито в пейзажі.

Узагальнений, епічний образ природи створює художник в офорті «Три дерева» (1643 р.).

Низько нависла важка хмара, затіняючи ближню частина пейзажу; йде у бік проливний дощ; вдалині поривчастий вітер збиває до купи і жене хмари.

На могутньому виступі землі ростуть три дерева - великі, коряві, могутні, з важкою кроною. Сонячне світло ледь пробивається крізь товщу їх листя.

А ліворуч іде вдалину безмежна рівнина з селищами, гаями, млинами, перелісками.

У природі розмірено протікає життя людей: зайняті своєю справою рибалки й пастухи, за деревами рухається візок, на пагорбі видно одиноку фігурку, що споглядає пейзаж.

Про світ, про його складне і різноманітне буття оповідає художник-філософ.

До середини століття обличчя голландського суспільства досить істотно змінюється. Розвинулися і загострилися протиріччя, народжені новим способом виробництва, розоряються дрібні ремісники, зубожіє село. Купецька олігархія, вкоренившись на чолі країни, піклується головним чином про збереження завойованих позицій. Вона консервативна у своїх прагненнях і охоче йде на компроміс з дворянством, щоб стримати невдоволення народу. Народжені революцією надії на торжество загальної справедливості повністю зруйновано. Буржуазія втрачає колишньої демократизм, свідомо протиставляє себе народу. Іншими стають ідеали мистецтва.

Грубуваті веселощі, якими сповнені картини гарлемцев, змінюються споглядальним спокоєм полотен Хооха і Вермеєра. Милування скромною рідною природою поступається місцем нарочитій витонченості пейзажів Альберта Кейпа. Нарядні аристократи Терборха змінили простуватих бюргерів Міревельта і Равестейна.

Глибоке розуміння дійсності не має підтримки у голландських буржуа. Виходить з моди мистецтво найбільших реалістів, їх потроху починають забувати. У той же час їх творчість піднімається на новий щабель: вони не хочуть поступитися своїми поглядами, сприймають життя у всій її суворій правді, їх мистецтво набуває драматичного забарвлення. Почуттям гіркої безвиході сповнені пізні роботи Франса Хальса. Крізь призму трагічних, бунтівних переживань сприймає природу Якоб Рейсдаль. І в творчості Рембрандта в 40-60-ті роки все сильніше починають звучати гіркі ноти.

Протягом другої половини 40-х і в 50-ті роки Рембрандт створює свої кращі портрети. Серед його моделей і представники інтелігенції, і люди з народу, і амстердамські євреї. Різні варіанти ріднить одна риса - незадоволеність життям; невеселі думки накладають свій відбиток на обличчя портретованих. Вони дивляться на світ з тією ж мудрою печаллю, що і сам Рембрандт. Ці люди прекрасні багатством своїх дум і переживань, але всі вони замкнуті в собі, в їхньому настрої немає ані трохи протесту.

Показовим є офортний портрет амстердамського видавця гравюр Клемента де Іонге (1651 р.). Ця людина вражає тонкощами душевної організації, своєю нервовою чутливістю. Великий капелюх, плащ, монументальне крісло, в якому він нерівно розташувався, гостро контрастують з його тендітною фігуркою, на обличчя падає глибока тінь. Сильний розум світиться в його погляді. Гірку скептичну посмішку викликає у Іонге все, що він бачить навколо.

Добротою приваблює Ніколас Брейнінг (портрет 1652 р.). Він невимушено сперся на ручку крісла і, віддаючись у владу спокійного роздуму, злегка повернув голову в бік. Брейнінг наодинці з собою, а ми спостерігаємо його з боку. У всьому позначається чарівність простоти і природності: вільно розкритий комір, непокірно спадає на чоло, пишно лягає на плечі густе волосся. Знаменита рембрандтівська світлотінь досягає вершини своєї виразності. Розчиняється в глибокій, повітряній тіні контур фігури, трепетно ??грає світло на натхненому обличчі, і сама атмосфера, що оточує Брейнінга, начебто пофарбована теплотою людського почуття. Є щось юнацьке і в зовнішності, і в переживаннях портретованого. Але в його живому, ясному погляді є нотка смутку, на обличчі світиться м'яка напівусмішка.

Песимістичні настрої художника виявляються особливо виразно в портреті Яна Сікса (1654 р.), відомого поета, друга Рембрандта.

Густа тінь, що закриває чоло, глибокі зморшки навколо очей, жорстка складка губ - прожиті роки наклали печатку скорботної суворості на мужнє обличчя людини. Погляд видає душевну втому. Сікс наче застиг у своєму зосередженому роздумі. Він натягує рукавичку, але цей жест не відволікає його від думок. У той час як у картині «Нічний дозор» невідповідність жесту і виразу обличчя капітана Баннінг-Кока руйнувало психологічну цілісність образу, ця невідповідність тут виявляється тонким прийомом психологічного рішення.

Із глибокою повагою і співчуттям зображує художник простих людей Голландії. Глядачеві добре відомий першокласний «Портрет дружини брата» зі зібрання московського Музею образотворчих мистецтв, написаний Рембрандтом у 1654 році.

Нерадісним поглядом дивиться на світ літня жінка, багато прикростей у неї за плечима. Вона зовні нерухома: склала руки, сумно схилила голову, вся заглибилася в думки. Дивляться повз глядача її тьмяні очі. Але за зовнішнім спокоєм ясно відчувається її душевна схвильованість: неспокійні її думки, тривожний настрій, сумні спогади. Тієї ж прихованої емоційності сповнений і живопис. На обличчі жінки грає світло, холодок синюватих і зеленуватих тіней підкреслює теплоту її губ, глухо горить червоний колір її хустки. За всією мінорністю образу, він не народжує відчуття трагічної безвиході: в самій складності людського переживання криється велика краса. Песимістичні настрої дуже сильні в мистецтві Рембрандта, проте художника не залишає віра в людину, впевненість у її цінності.

У більшості портретних образів 40-50-х років Рембрандт підкреслює ті сторони внутрішнього світу людини, її ставлення до життя, які великою мірою були властиві йому самому. Недарма часто говорять про «автопортретність» багатьох його образів. Відомий виняток складають портрети близьких. Портретуючи свого сина Титуса, свою другу дружину Хендрік’є Стоффельс, Рембрандт особливо дорожить і не хоче поступитися своєрідністю духовного світу цих людей. Він бачить у них інші сторони людської краси, ніж в інших портретованих. Чарівність молодості, радісна натхненність підкуповують в портреті Титуса (1656 рік, Відень). Сидячи в кріслі і трохи відкинувшись назад, Титус читає книгу. Він ніби осяяний внутрішнім світлом; підняті тонкі брови, напіввідкритий рот, неслухняне пасмо волосся опустилася на чоло, вільно падають великі м'які кучері. У всьому видно схвильованість, захопленість, юнацьку свіжість сприйняття.

У 1659 році Рембрандт створює один з класичних жіночих образів у світовому образотворчому мистецтві - портрет Хендрикьє Стоффельс біля вікна. Тонкість спостереження за світом почуттів і думок людини доповнюється тут тим внутрішнім спілкуванням з глядачем, яке надає образу неповторну інтимну чарівність. Хендрикьє стоїть біля вікна, одну руку поклала на підвіконня, другою  сперлася на раму, і привітно дивиться в бік глядача. Нахилила голову, дивиться спокійно, задумливо, з ласкавою напівусмішкою, немов здалеку спостерігає за людиною, їй близькою. Вона відчуває себе на самоті, і все в ній невимушено - від настрою до деталей костюма: збився на бік шнурок медальйона, недбало намотана на руку нитка перлів, вільними, широкими складками лягає важка матерія сукні.

Чарівність жіночності, м'якої задушевності оспівує Рембрандт в образі своєї відданої подруги, що покірно розділила всі прикрощі та радості важких років його життя.

Картину відрізняє багатство кольорів, їх насиченість. Мальовнича форма емоційна, активна, змістовна.

У рембрандтівському портреті 40-50-х років істотне місце посідають автопортрети. У них втілюється така важлива сторона світогляду Рембрандта, як віра в духовні сили людини, в його здатність протистояти ударам долі.

Особливо показовим у цьому відношенні є віденський автопортрет, написаний художником близько 1657 року. Перед глядачем постає Рембрандт зрілого періоду життя. Суворе обличчя, час проклав глибокі борозни на ньому. Він дивиться на світ зі скорботним занепокоєнням людини, що зазнала багато. Різкий контраст світлого і темного посилює драматичну напруженість образу.

Але Рембрандт не зломлений. Тверда його пряма постава, мужній погляд видає вольову пристрасність натури. У ньому непереможні ані велич стоїка, ані темперамент творця.

У 1662 році Рембрандт виконує останнє замовлення на великий груповий портрет. Він зображує старшин амстердамського цеху сукнарів, які виступають з доповіддю перед зборами цеху. Портрет увійшов в історію мистецтва під назвою «Синдики».

У цій картині не слід переоцінювати значення сюжету. Для Рембрандта набагато важливіше атмосфера загального настрою. Панує суворий спокій. Безшумні рухи людей. Погляди зображених минають глядача. І синдики, і їх гадана аудиторія - це особливий світ, що сприймається нами з боку. Ми не розмірковуємо над тим, що відбувається, а віддаємося спогляданню людських облич, що зберігають сліди роздумів і переживань, осягаємо приховане життя, що панує за зовнішнім спокоєм. Нескінченні нюанси світлотіні. У стриманій гамі чорних, коричневих, золотавих тонів жарко горить червоний, чітко виділяються білі плями комірів.

«Синдики» - найвище досягнення Рембрандта в області групового портрета. Тут йому вдалося добитися психологічної спільності, єдності настроїв усіх персонажів і виконати завдання, поставлене, але не вирішене ним ані в «Уроці анатомії», ані в «Нічному дозорі».

В останні роки життя Рембрандта трагічно складається його особиста доля. Збільшується конфлікт митця з бюргерським суспільством. Майже не маючи замовлень, у середині 50-х років він збанкрутував. У 1658 році продані з аукціону будинок Рембрандта і його багатюща художня колекція; в 1662 році померла Хендрикьє Стоффельс, а шість років потому несподівано помер Титус.

Проте на схилі років художник досягає вершини своїх творчих можливостей. В останнє десятиліття він створює свої кращі історичні картини. Історичні образи Рембрандта 60-х років відрізняються особливою драматичною силою і філософською глибиною. Конфлікт між добром і злом у людському суспільстві, який завжди був лейтмотивом історичного жанру Рембрандта, виступає в картинах цих років у всьому трагізмі. Позитивні герої, які уособлюють піднесене і благородне в людині, стикаються в цих картинах з носіями ворожого, злого, або з людьми, котрі припустилися трагічної, непоправної помилки.

У 1660 році Рембрандт створює відому картину «Ассур, Аман і Есфірь», яка зберігається нині в московському Музеї образотворчих мистецтв.

Сюжетом картини став біблійний міф, відомий під назвою «Бенкет у Есфірі». Аман, перший візир і друг перського царя Ассура, жорстоко обмовив іудеїв перед царем, сподіваючись добитися їх повного знищення. Тоді цариця Есфірь, що походила з Юдеї, заступилася за свій народ. Запросивши на гостину Ассура і Амана, вона розповіла про наклеп візира, і перед царем розкрилася підступна душа чоловіка, якого він вважав своїм другом.

Художник зображує той момент бенкету, коли Есфірь закінчила розповідь і запанувало глибоке, важке мовчання.

Сумні гарні очі цариці. Не дивлячись на руки, Есфірь машинально мне хустку. Вона ще цілком у владі пережитого. Їй було нестерпно важко вимовити слова викриття; як і цар, вона вірила візирові, ставилася до нього, як до друга.

Вражений почутим, гірко розчарований Ассур. Його великі очі наповнюються слізьми. У той же час у ньому прокидається благородний гнів, і він владно стискає скіпетр.

У глибокій тіні, на самоті зображений Аман. Невидима прірва відокремила його від царя і цариці. Усвідомлення приреченості давить його, наче непосильний тягар: він сидить зсутулившись, опустивши голову, закривши очі, рука, що тримає чашу, безсило лежить на столі. Його гнітить навіть не страх смерті, а тяжка моральна самотність. Він розуміє, що Ассур та Есфірь ніколи не пробачать його, хоч як важко їм засуджувати друга.

Не тільки жести, пози, вирази облич, а й сам живопис створює відчуття глибокої схвильованості зображених людей. Переливається золотистий плащ Есфірі, інтенсивно горить червоний колір її плаття, мерехтять дорогоцінні прикраси. Вражає фантастичним різноманіттям відтінків мантія Ассура: коричневі тони змінюються фісташковими, оливковими, сіро-блакитними. Зловісно догорає в тіні насичений темно-червоний колір вбрання візира. В тепло-коричневій глибині фону приглушено спалахують гарячі червоні тони. Складне життя кольору сприймається, як акомпанемент до людських переживань. Замкнуті в собі, зовні нерухомі герої картини, але який змістовний їх мовчазний спокій!

Трагічний конфлікт добра і зла не вичерпує всього змісту картини. В образі Есфірі втілилося уявлення художника про прекрасну людину, благородну і чисту душею. Не тільки скорботою, а й вірою в краще, яка ніколи не залишала Рембрандта, народжений цей твір.

Як трагічна розв'язка повісті, розпочатої у «Ассур, Аман і Есфірь», сприймається ермітажна картина «Аман в немилості», написана кілька років потому. Важка, скорботна тиша. Зломлений, вражений тим, що трапилося, залишає своїх близьких Аман. Мертвотно змарніло його синяво-бліде обличчя. Пишне вбрання обтяжує його. Масивна чалма, оперезана стрічкою дорогоцінних каменів, немов пригинає його голову. Знемагаючи від душевного болю, він притиснув руку до грудей, безсило заплющив очі і йде повільними кроками. Повернення вже неможливо. З почуттям гіркої образи вслід дивиться старий, а цар - весь у владі глибокої печалі, сумного розчарування. І це мовчазне засудження близьких виявляється для Амана страшнішим за будь-яку кару.

Якщо в картинах, присвячених історії Амана, результатом конфлікту є непримиренний осуд, яким би не був важким він для тих, хто виносить вирок, то про гуманне прощення і про глибоке каяття людини, яка вчинила гірку помилку, оповідає знаменитий твір Рембрандта «Повернення блудного сина». Ця картина зберігається в Санкт-Петербурзькому Державному Ермітажі й справедливо вважається гордістю ермітажний колекції. Твір написано Рембрандтом у рік смерті. Забутий сучасниками, зовсім самотній, він створює своє останнє геніальне творіння.

Знову велика людська трагедія. Після довгих поневірянь у ворожому, незатишному світі з благанням про прощення приходить до покинутого батька блудний син. Повний сорому і каяття, він стоїть на колінах, обірваний, з поголеною головою каторжника, у стоптаних сандалях, демонструючи глядачеві загрубілі п'яти. Вперше за багато років відчувши тепло людської ласки, він припав до батька, сховав обличчя в нього на грудях, прагнучи забутися в батькових обіймах.

Ні здивування, ні обурення не висловлює старий; він давно пробачив сина і давно чекав цієї зустрічі. У погляді його опущених очей можна прочитати і німий докір, і гірке примирення. Він ніжно схилився над сином, опустивши йому на спину слабкі, старечі руки.

Знову Рембрандт втілює свою думку про те, що суворі випробування долі зближують людей. Вище за помилки, образи, марнославство виявляється кохання, довіра, взаєморозуміння.

Але все ж у цій зустрічі більше горя, ніж радості: трагічна помилка сина залишила дуже глибокий слід у житті й одного, і другого. Зломлений не тільки син, а й батько. Досить звернути увагу на вираз обличчя, гірко нахилену голову, згорблену постать, пониклі старечі плечі, щоб це відчути.

Як завжди у Рембрандта, величавий спокій сповнений прихованої одухотвореності. З глибини темного тла виступають мовчазні людські фігури. Червоні і золотисті тони одягу немов виростають із темряви, але знову починають згасати. Глибока скорбота опанувала присутніми. Сумна доля двох людей змушує їх багато про що задуматися. Коло присутніх не замикається в межах зображення, воно начебто продовжується і поза картиною. У числі свідків того, що відбувається, мимоволі опиняється і глядач.

«Повернення блудного сина» - це наче підсумок мудрих роздумів Рембрандта про світ і людей. Його песимістичне ставлення до дійсності в останні роки життя, з одного боку, і нічим не зламана віра в людину, в моральну висоту її, з іншого, з рівною силою звучать в останньому творі геніального художника.

У жовтні 1669 Рембрандт ван Рейн помер. Ця смерть залишилася майже непоміченою його сучасниками. Тільки скромний запис у церковній книзі амстердамського собору Вестерикерк повідомляє нам дату похорону художника - 8 жовтня 1669 року. Визнання геніального майстра прийшло лише кілька десятиліть потому.

Творчість Рембрандта, філософськи глибока і справді гуманістична, сміливо можна назвати одним з найбільших досягнень художньої культури людства.

Рембрандт був далекий від розуміння соціальних конфліктів дійсності. Він осягав ці конфлікти лише тому, що вони вели до краху його гуманістичних ілюзій, оскільки він відчував їх панування над людською індивідуальністю. Сповнений співчуття до людей і тривоги за їхню долю, Рембрандт шукає свої позитивні ідеали в сфері етики. Моральна висота людини - ось те цінне, що бачить Рембрандт в товаристві свого часу і що, на думку художника, є запорукою кінцевого торжества світлого і прекрасного. Жоден художник в історії образотворчого мистецтва не став настільки великим поетом людської душі, співцем духовної краси реальної людини, яким увійшов до скарбниці естетичної світової культури Рембрандт ван Рейн. Особливо високу оцінку творчості великого майстра дають передові діячі російської культури другої половини XIX століття - Стасов, Крамськой, Рєпін. На його полотнах і офортах багато російських художників навчалося реалізму і майстерності. Наполегливо вивчали його мистецтво найбільші майстри російського живопису - Рєпін і Сєров. Інтерес до Рембрандта не слабішає і в наші дні. Своєю проникливою правдою його твори здобули любов масового глядача.

 

В.А. Лєбєдєв